From Storage to Public Artspace: Spike Island 그리고 홍대…

2015 Winter, Bristol UK

sosunnyproject

Honorable Guest Post #2 by Coffinjune (Fine Arts, Goldsmiths, London), Translated by SosunnyProject

SosunnyProject: We went to same high school in Korea and met again in London! It is always exciting to meet high school friends again after graduation (#throwback!) , especially when we are in similar industry/field. After 3 years, I became Theatre&Media student in NY and he became a Fine Arts student in London. We went to Iniva and Barbican together as he recommended the ongoing exhibitions there; and during our conversations at Pizza Express after a long long artsy day, he told me about his visit to Bristol.

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He briefly told me that there’s a cool space, abandoned for a long time, which is being revived by the collaboration of artists with governmental support. He will specifically talk about Spike Island which shows a great community vibe between ART and the city. And he ponders about a counter-example in Korea, Hong-dae, which failed to protect and work with artists.

지역사회와 긴밀하게 연결되어 일하는 예술가들과 그들의 공간에 대한 이야기이다. 어떻게 예술이 이 도시의 지속가능성에 기여하는지, 또 도시가 어떤 식으로 예술을 지원하고 그로 인해 긍정적인 에너지를 만들어 내는지 엿볼수 있다. 그리고 이 글의 마지막에는 스파이크 아일랜드를 돌아보며 생각이 났다는 홍대에 대한 짤막한 생각도 함께 있다.

So I asked him a guest post, since he was interested in my blog and that’s how he started talking about Bristol. And here it is! It took a long long time for him to write — he wanted a gooood piece of post. It’s definitely a high quality, so you will enjoy this a lot!

함께 고등학교를 다닌 친구와 너무 오랜만에 런던에서 상봉했다. 고등학교 친구를 대학생이 되어 만나는 건 언제는 설레는 것 같다. 졸업 후, 나는 뉴욕에서 연극/미디어를 전공하는 학생이 됐고 친구는 런던에서 순수미술을 하는 학생이 되어 있었다. 런던에서 만난 날, 친구의 추천으로 함께 이니바와 바비칸 전시를 보았다. 예술 돋는 하루를 보낸 후 피자 익스프레스에서 (생각보다 짱 맛있는) 음식들을 먹으며 이런저런 얘기를 나누었다. 그러다 친구의 브리스톨에 갔다 온 이야기를 들었고 내 블로그(지속가능성)와 연관이 많다 싶어 게스트 포스팅을 부탁했다. 공들여 쓴 포스팅인 만큼 고퀄이니 읽으면 매우 유익할 거라 보장드린당 😀

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Disused section of Bristol Harbour Railway, Spike Island. Copyright @ coffinjune
Overview (focus)

Admittedly, when it was finalised that due to lack of time my trip to Bristol could only involve a narrow strip of land called Spike Island, I was disappointed. To Bristol, Banksy, Portishead, and See No Evil were what popped up in my head, Spike Island was not. Yet by the end of the day, the brief journey proved itself to be a small giant – the discovery on how a city and its community support art and the practical mechanism of how it happens was an eye opener. The infrastructure the local galleries provided to young, upcoming artists was tangible and what was even more fascinating was how the supported art scene, in its thrift, provided back to the community. A few days later, as I sat down and talked to Sosunny about this symbiotic relationship, she invited me to write a few words on her blog to contribute to her piercing theme of sustainability.

학교에서 단체 필드 트립으로 브리스톨을 방문하게 됐었다. 하지만 시간 관계상 Spike Island 밖에 들리지 못한다는 소리를 듣고 매우 실망해있었다 – 브리스톨하면 뱅크시, Portishead, See No Evil은 기본이 아닌가? 근데 들어보지도 못한 Spike Island만 가게 된다니… 작은 고추가 맵다고, 그때까지만 해도 이 듣도보도 못한 곳이 나의 뒤통수를 때릴 줄은 전혀 상상도 못했다. 이 지역 커뮤니티가 예술을 적극적으로 지원한다는 점과 더불어, 그들의 프로젝트가 잘 실행되게끔 하는 실용적인 매커니즘들은 나의 시야를 훨씬 더 트이게 해주었다.  도시 곳곳의 로컬 갤러리들은 젊고, 뜨고 있는 예술가들을 실질적으로 도와주고 전반적인 미술/예술 산업을 굉장히 적극적으로 지원하고, 그 예술가들의 활동들이 다시 커뮤니티에 기여하게 하는 좋은 싸이클을 형성하고 있다. 그리고 며칠 후, SOSUNNY에서 이 신기하고도 자극적인 공생 관계에 대해서 얘기해주었고, 이 블로그의 주제에 잘 맞겠다며 게스트 포스팅을 부탁받았다.

What is Spike Island?

So first things first. Spike Island is a stretch of land adjoining the city square and forming a part of Bristol’s floating harbour. It used to be a dockyard, and although its flourished days are long past, its remnants are still scattered here and there. Walking along River Avon reveals old, rusty arms of industry hanging over the dockside, and tram tracks interweave on pedestrian pavement, their sediment-filled cracks vividly speaking of disuse. Even when I left the riverside to meander through the suburban area, I still occasionally collided with huge warehouses that store nothing but the essence of a bygone era (that would be the dried scent of tea, timber and dust).

Spike Island는 어떤 도시인가? Spike Island는 브리스톨의 도시에서 쭈욱 연장된 느낌의 지역으로 브리스톨의 항구 중 하나이다. 옛날옛날 옛적에는 선박 시설 구역정도로 쓰였는데 그 잔해들이 아직도 여기저기 남아있는 것을 볼 수 있다.  Avon 강가를 따라가면 항구근처에서 예전의 낡고 녹슬은 산업화 시설물들과 함께, 더이상은 쓰지 않는, 도보와 엉켜있는 트램 트랙들도 볼 수 있다. 강가를 벗어나 교외지역으로 갔을 때조차 아무것도 없는 거대한 창고들과 오래되고 휑한 느낌은 여전했다.

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Tram tracks on pedestrian road, Spike Island. Copyright @ coffinjune

Obviously, the whole place didn’t just succumb to decline. Rather, it did something quite interesting; it invited artists to use the dead space – abandoned rail carts, backwater alleys, bridges, and warehouses. Perhaps that is what gave birth to Bristol’s unique street art movement.

But what intrigued me the most was the transformation of an old warehouse into one of UK’s most experimental art space.

그렇다고 이 곳 전체가 이렇게 황량하고 아무것도 없는 것은 아니다. 오히려 더 재미있는 일들이 벌어지고 있다. Spike Island는 이 죽은 것만 같은 도시로 예술가들을 끌어모으기 시작했다. 버려진 레일 카트, 후미진 골목/다리/창고들.. 오히려 이런 환경이 브리스톨의 독특한 거리예술 운동에 밑바탕이 됐을지도 모른다. 하지만 내가 가장 감명깊게 보았던 것은, 영국의 가장 실험적인 예술 공간으로 변한 낡은 창고였다. 

Spike Island Artspace exterior, Copyright @ http://www.1010uk.org/

Formerly a large tea storage, Spike Island Artspace is composed of a gallery, a cluster of studio spaces, a café and a wing shared by a local university’s fine art program. It is friendly to local community: the main exhibition space is usually free of charge, and the studio spaces are open every now and then for public viewing. This is what interested me a lot. Since the ‘art studio space’ holds an experimental context typical galleries simply cannot, yet the opportunity for the public to experience artists’s studios is so scarce, Spike Island creating a chance for artists (usually aspiring artists who book for the studios) to directly contact the community is very special.

The experimental nature of such candid exposure of unfinished art is further explored in yet another unique part of Spike Island – the ‘Test Space‘. This project space is where studio holders can play around with either finished or unfinished work and replace it in the context of a gallery. I took it in as a studio version of ‘print preview’, a safe place for an artist to study how the change of context from a studio to a gallery space can make viewing their work different. The beauty of this space is that it is also open to public; every visitor is a direct witness of the artist at work, his or her thoughts morphing. The emphasis on the process brings the artist, who is often neglected, into the picture, creating more room for the community to discuss, explore, identify, and support.

이전에는 큰 차 창고였던 이 스파이크 아일랜드 아트스페이스는 갤러리, 스튜디오 (작업실), 카페, 지역 대학의 순수 미술 프로그램과 공유하는 장소로 다양하고 매우 유익하게 쓰이고 있다. 이 예술공간은 지역사회와 굉장히 긴밀하게 활동하고 있다. 주요 전시공간은 무료이고 작업실들은 언제나 대중들에게 공개되어 있다. 무료인데다가 대중과 함께한다는 점이 가장 흥미로웠다. ‘아트 스튜디오 스페이스’ 라는 실험적인 타이틀이 보통 흔한 갤러리에서는 볼 수 없는 것이고, 예술가의 작업실을 대중들이 볼 수 있는 기회는 매우매우 적기 때문이다.

완성되지도 않았을 예술을 대담할 정도로 공개하는 이 실험적인 특성은 ‘Test Space‘ 라는 곳에서 한층 더 발휘된다. 이 또다른 프로젝트 공간은 작업실 주인들이 완성 및 미완성 작품들을 가지고 갤러리의 주제 및 흐름에 맞춰 이리저리 다양한 시도를 해볼 수 있는 곳이다. 개인적으로 뭔가 ‘프린트 미리보기’의 스튜디오 버젼같은 느낌이었다. 아티스트들이 부담없이, 자신들의 작품들의 의미들이 갤러리의 컨텍스트에 맞춘 전시 스타일에 따라 얼마나 변할 수 있는지 공부하고 실험해 볼 수 있는 좋은 공간이다. 이 공간의 끝판왕적인 매력은 대중에게 공개되어 있다는 점이다. 모든 방문자들이 예술가들의 생각들이 어떻게 작품으로 승화되는지 생생하게 볼 수 있다. 이는 작업의 과정을 중시하게 되고, 흔히 작품에 묻혀 잊혀지는 예술가의 존재를 더욱 부각시킴으로써, 이 커뮤니티가 끊임없이 소통하고 발전하고 지원받을 수 있도록 한다. 

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Spike Island Artspace main gallery space (1). Exhibition on display: Témoins Oculaires by Isabelle Cordano. Copyright @ coffinjune
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Spike Island Artspace main gallery space (2). Exhibition on display: Témoins Oculaires by Isabelle Cordano. Copyright @ coffinjune
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Spike Island Artspace bookable studio spaces (1) Copyright @ coffinjune
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Spike Island Artspace bookable studio spaces (2) Copyright @ coffinjune

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From what I gathered, Spike Island Artspace seemed like a system that does well in guiding aspiring artists to the local community; it is an art-friendly space and has a unique mechanism for artists to display art and ideas.

But to complete the circle of sustainability, how do local artists support the community back?

스파이크 아일랜드 예술공간은 마치 떠오르는 (지역) 예술가들을 지역사회와 긴밀하게 연결시켜주고 그 관계를 잘 이끌어주는 하나의 시스템같았다. 이 공간은 굉장히 미술/예술-친화적이고, 예술가들이 자유롭게 활동 및 전시할 수 있는 독특한 매커니즘을 형성한다. 하지만 이런 지속가능성의 싸이클을 완성하기 위해서, 이 지역의 예술가들은 어떤 식으로 도시에 기여하고 있는 걸까?

The Arnolfini, copyright http://www.coolplaces.co.uk/

It was marvelous to find the answer in yet another former tea warehouse. The Arnolfini, a three-story hub of contemporary art, practically bombards its locals (and tourists) with its plentiful programs including exhibitions, performances, music and dance events, readings, talks, lectures and cinema. It is Bristol’s contemporary art capital, the eye of the storm to major cultural events such as the recent IBT15: Bristol International Festival (abbr. for In Between Time, whose recent show was, conveniently enough, ‘Enter the Storm’), holding installations and performances such as Fog Bridge by Fujiko Nakaya.

Additionally, Arnolfini runs an online experimental space called project.arnolfiniwhich is somewhat of a virtual skip containing dumps of resources related to Arnoflini’s exhibitions, be they present, past, or even upcoming ones. All resource can be used by any user to create new works under a copyleft license. project.arnolfini, combined with the gallery’s specialist art book shop, provides easy access to torrents of art resources for the community to use, share, make. It is indisputable that such institution succeeded becoming one of Bristol’s most visited tourist attraction.

그 해답을 또 다른 창고에서 찾았다! 아르놀피니 라는 3층 현대 미술 공간인데, 여기 역시 차 창고로 쓰였었다. 아르놀피니는 엄청난 양의 프로그램들이 진행되기 때문에 지역주민들 뿐만 아니라 많은 관광객들도 찾는다 – 전시, 공연, 음악, 춤, 이벤트, 토크, 강연, 영화 등등. 브리스톨 현대 미술의 중심부이며 브리스톨의 중요 문화행사들은 이 곳에서 대부분 진행된다. (브리스톨 인터네셔널 축제 – 후지코 나카야의 Fog Bridge (안개 다리) 와 같은 전시/공연 등이 열렸다)

더불어, 아르놀피니는 project.arnolfini 라는 온라인 실험 공간도 진행한다. 아르놀피니의 전시와 연결된 자료들을 가상으로 접할 수 있다. Copyleft 카피레프트 (지적 창작물에 대한 권리를 모든 사람이 공유할 수 있도록 하는 것)을 지향하기에 어느 이용자들이든지 자기 마음대로 자료들을 사용할 수 있다. 이 프로젝트 아르놀피니 온라인 공간은 갤러리의 북샵과 합쳐져 있어 지역사회가 다양한 예술자료들을 마음껏 이용하고, 공유하고, 만들 수 있도록 한다.

Fog Bridge by Fujika Nakaya, copyright http://ibt15.co.uk/

Learning of art working as a factor in a circle of sustainability was thoroughly enjoyable. Even outside of Spike Island, excellent art shows that cover all fields of media attract more and more visitors every day. This immediately reminded me of a Korean resemblance – Hongdae, an area in Seoul which was also reinvigorated by the power of art. Artists of Hongdae filled the streets with sound, performances, dance and street artworks. Unfortunately though, they lacked communal support; artists relied on individual talent alone, which proved futile against the logic of capitalism, and they were eventually kicked out of their own studios because the land price raised sharply. I start to wonder what could have been different if Hongdae had its own Spike Island Artspace, its own safety-net-work for local artists. Pondering on that thought seems like a good moment to end this piece.

예술이 지속가능성에 하나의 거대한 주체로 기여하고 작용한다는 것은, 미술을 전공하는 사람으로써 실로 신나는 일이 아닐 수 없다. 스파이크 아일랜드 뿐만 아니라 그 주변의 너무 좋은 퀄리티의 예술/미술 전시들은 매일매일 많은 관광객들을 끌어들이고 있다.

한국에도 생각나는 지역이 있지 않은가 ? 바로 홍대! 예술의 힘으로써 다시금 살아났던 서울의 몇 안되는 지역. 많은 예술가들이 공연, 음악, 춤, 거리예술 등등으로 거리를 가득매우곤 했었다. 하지만 그 예술가들은 지역사회의 지원을 제대로 받지 못함으로 인해 많이들 무너지고 있다. 오직 그들은 자기의 개인적 재능으로 살아남아야만 했고 당연히 자본주의 시스템은 그리 호락호락하지 않았다. 결국 예술가들로 인해 유명해진 홍대는 땅값이 오르자, 자신의 가장 큰 공로자들인 예술가들을 쫓아내는 꼴이 되었다.

만약 이 스파이크 아일랜드 아트스페이스와 비슷한 공간이 홍대에도 있었다면, 그래서 지역 예술가들이 보호받으며 일할 수 있었다면 지금의 홍대는 어떤 모습일까? 

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2 thoughts on “From Storage to Public Artspace: Spike Island 그리고 홍대…

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